1. 戴帆（Dai Fan） 來自火星的巫師
1.
戴帆（Dai Fan）戴帆（DAI FAN）最新作品轟動歐美 —— 黃河撈尸(FISHING CORPSES FROM THE YELLOW RIVER) : 玩家使用電腦，登錄網絡游戲“黃河撈尸”通過機器人利用衛星遙感技術在黃河中尋找尸體，然后在電腦中操控黃河中航行的機器人將尸體撈起來推向岸邊指定的位置。
2.
戴帆（Dai Fan） 用超聲波召集鯊魚 ，震驚歐洲 :
大量的事實證明，人類史上只有一個藝術家能引發史無前例的爭議與騷動，那就是戴帆。
他獨樹一幟的作品不是嚴格管制的精神作坊里鍛打出來的體塊，而是從不可見的天空跌落下來的隕石，猶如魔鬼的天啟拉扯著社會的神經，闖入謊言、似是而非的意見、普遍接受的不公正標準和被掩飾的權力敗壞之中，以振聾發聵的力量改變著人們的思維方式。哥白尼之后的人類看世界和哥白尼之前是不一樣的，達爾文之后的人類看世界和達爾文之前是不一樣的，每一次觀念的爆炸都會在嚴格意義上的瞬間傳播開來，偉大作品的標志 : 動搖人類的信念，凸顯了另一個世界的視野，其來臨預設了對現存世界的改變。時代沖突在爭議之鏡中若隱若現 ： 不被爭議的事物是最值得懷疑的，爭議卻可以折射出人類的困境與沖突。不能引起震動的作品不是好作品，不能引發爭議的作品不值得一看。
《先知即是海洋,你的偉大輕蔑將在狂怒中沉沒》 ·用超聲波召集鯊魚 · 戴帆（Dai Fan）
《先知即是海洋,你的偉大輕蔑將在狂怒中沉沒》 ·用超聲波召集鯊魚 · 戴帆（Dai Fan）
《先知即是海洋,你的偉大輕蔑將在狂怒中沉沒》 ·用超聲波召集鯊魚 · 戴帆（Dai Fan）
戴帆憑借驚世駭俗的作品與思想成為當代知名度最高的藝術家，其獨樹一幟的作品猶如魔鬼的天啟拉扯著社會的神經，以振聾發聵的力量改變著人們的思維方式。哥白尼之后的人類看世界和哥白尼之前是不一樣的，達爾文之后的人類看世界和達爾文之前是不一樣的，每一次觀念的爆炸都會在嚴格意義上的瞬間傳播開來，偉大作品的標志 : 動搖人類的信念，凸顯了另一個世界的視野，其來臨預設了對現存世界的改變。在“繁星般的科技之魔 : 戴帆的一億個機器人”中戴帆作為惡質造物主 ( EVIL CREATOR)將自己親手創作的機器人，愛到恨不得它不再只是藝術品，而變成活物，一個有生命的非人類生命體。戴帆的作品讓觀眾感覺到另一個星球上的空氣。戴帆把遙遠未來中必然發生的事件視為當下之事，并用這種態度去期盼它的來臨。戴帆將他的實踐不認為所建構的是一件“作品”，而是一段航程，一個工地，他認為自然界與社會必須經歷藝術的魔法——借此開啟并產生概念、定義新的問題性模式。戴帆的每一次創作都是驚世駭俗。2017年戴帆在歐洲創作的“用超聲波召集鯊魚”事件行動有著：劫難、恐懼、科技暴動、薩滿。海面鯊魚的穿行如同末日的宣言與地獄般的畫面，擾亂觀者的思維，不在既定的藝術領域內探討，利用海洋、鯊魚、難民船、超聲波裝置出一個不具裝置化的戲劇原型，藝術的安定性被瓦解，道德被嘲弄，而人的軌跡與鯊魚的軌跡構成了一個游牧因應環境的巢穴,藝術的創造力與想象力在面對日常與道德準則時，將以新思維與新行動將事件懸置、突變、爆裂。戴帆的“一億個機器人”爆裂，有氣魄，唯美，科技的詭異感十足，像洪水猛獸，令人感到驚奇和恐懼，有極強的殺傷力……讓你覺得因為觀看他的作品而產生變化，是他改變了你認識世界的觀念。他最廣為人知的身份是“宇宙宣言”——涵蓋超未來主義，以探索人工智能、基因組學、人體技術、太空科技、神經科技、宇宙空間、生物納米科技、機器人和生物科技一系列21世紀先端藝術語言新的藝術流派的領袖及“機器人”藝術的開創者。戴帆創造性的突破，將恐怖的宇宙觀念與人工智能機器人觀念引入當代藝術的結構中。他指出，我們不能再像后現代主義那樣，用那種極度碎片化和個體化的感受來理解存在，理解光明，相反，在龐大的穹宇中，我們需要用一種超越我們感受之外的能力來涉足一些從未涉足的光。戴帆的作品涉及到一種非人的宇宙論，一個完全沒有我們的世界，一個沒有光亮、沒有希望、甚至沒有信仰的非人的外部。在那個超自然神秘的外部最重要的是，未來出現的智能將繼續代表人類文明——人機文明。換句話說，未來的計算機便是人類——即便他們是非生物的。“誰是人類的繼承者？回答是：我們正在創造我們自己的繼承者，機器具有或將具有生命。在將來的某一天，人類與機器的關系就如同現今動物與人的關系。戴帆的藝術與設計具有革命性、解放性和顛覆性，他的思想在攻擊中得到發展。戴帆與具有一種令人愉快和和諧感的人道主義藝術家不同，與此相反，戴帆具有一種破壞性的創造力，超越善與惡的劃分，是令人失明的權力和守護保護神狂暴的形象出現，不為一般人對幸福、公正或憐憫的苛求所制約。在戴帆停留在倫敦 、巴黎、紐約時，當太陽落山時候，他潛入那些瘋狂的夜總會與神秘的俱樂部中，各種各樣的迷宮，使游戲者得以在黑暗角落安全地重演秘密幽會，來自秘魯、肯尼亞、柬埔寨的原始表演，華麗的服裝和羽毛頭冠，漂亮的裸體、燈光、布景與歌舞結合釋放出磁性的神秘，助長了這種肉欲的氣氛，為人們大規模地試驗新的自我表現方式、新的放蕩方式、新的麻醉品和性愛的混合方式，為了讓肉體與快感提供了窗口。他的作品將不只是另一種作品，而是一種圣典——一部關于銷魂狀態的作品，在這種銷魂狀態中，我們能夠得到片刻的永生，能夠擺脫一切現實的東西，方法是探尋自己而抹消自己，讓渡自己的肉體給那些神秘的儀式。這篇訪談文字如同漩渦的意象——思想從漩渦中奔瀉而出，穿過漩渦，又回到漩渦。對于先鋒藝術家來說，藝術就是一場與迂腐文明的戰爭，而這場戰爭的風險最顯著地體現在其杰作被抗議。他力圖鏟平了所有障礙，要求藝術形式、設計形式、風格和內容享有毫無約束的自由。戴帆的作品以其題材尖銳、風格獨特而著稱，讓人感受到“徹底的驚奇”，同時，由于他的作品充斥殘酷、暴烈、血腥和不堪入目的表現，不僅受到極大的攻擊，也被輿論賦予世俗的背叛者、文質彬彬的異教徒和赤裸裸的挑釁者等多重身份。
2、賈斯培·瓊斯
Jasper Johns
▼
“在我成長的地方，沒有任何藝術家也沒有任何藝術，所以當時我并不知道藝術到底是什么意思。我當時覺得這指的是，我會處在一個不同于我所正在經歷的環境。”——賈斯培·瓊斯
賈斯培·瓊斯（Jasper Johns，1930年5月15日－），生于美國奧古斯塔（佐治亞州）。賈斯培·瓊斯是美國二十世紀最重要、最有影響力的藝術家之一，他甚至被列為與丟勒、倫勃朗、戈雅、蒙克和畢加索等藝術史上最偉大的版畫家之一，2011年他還在美國白宮接受了“總統自由勛章”。
瓊斯的作品常被劃分為新達達主義，而并非波普藝術，雖然其創作材料經常包括流行文化的圖像和物件。其最著名的作品是旗幟（1954年-1955年），此作品是由他夢見的美國國旗所啟發而作的。瓊斯的旗幟，是一件視覺沖擊，與國旗所傳遞的意義完全不同，旗幟作為一件藝術品，借用國旗的圖像以油畫的形式而存在。瓊斯的藝術理念賦予其作品各種先鋒意義，和在他藝術理念中擁有重要位置的達達藝術家杜尚的作品相似。瓊斯也一定規模的出產版畫，藝術概念與其油畫相似。
三面國旗
瓊斯的版畫和油畫有著很緊密地聯系。在瓊斯完成一幅油畫以后，經常會出產同樣的版畫。瓊斯很少在畫一幅油畫以前做詳盡的研究，相反，在一幅油畫完成以后，他會嘗試對圖像作不同的處理。這些草圖有時候會變成不同的版畫，這就是瓊斯很多版畫雖然有同一圖像但是很多時候不同的版本有細微的差異和修改。
地圖，賈斯培·瓊斯，1961年，布面油畫，198x313厘米，MoMA，紐約
這幅《地圖》的尺寸巨大，用原色加上黑白兩色繪制而成。在現實和抽象圖式之間，它占據了一塊謎一般的未開墾地帶，藝術家將這塊地帶重現在畫布上。本質上來看，所有的地圖都是現實生活中某些東西的抽象符號。然而，賈斯培堅持：這幅畫本身就是一張地圖，而不是對某個地圖的再現，這種說法讓它在感知層面變得復雜，我們想要理解它也沒那么容易了。
“PaintedBronze”，1960年，青銅油彩，直徑34.4x20.3cm
這件雕塑遠看就像是一把木頭畫筆插在一個Savarin咖啡罐里（直徑34.4x20.3cm），仔細一看卻發現，咖啡罐上的商標是手繪的，松節油和顏料“滴下來的痕跡”也是精心畫上去的，“咖啡罐”的邊緣是金屬銀色顏料。這件作品自1960年被創造出來后一直是藝術家自己的藏品，它在瓊斯畢生作品中占有獨特地位，并躋身20世紀最具標志性雕塑行列。
瓊斯在1965年接受采訪時是這么形容這個雕塑的：“我喜歡可能有人把它當作另一樣東西，但我也喜歡人們在稍微觀察后，便認出它不是另一樣東西。”
關于賈斯培·瓊斯：
· 愛、失去、生命的輪回 | 賈斯培·瓊斯與愛德華·蒙克
3.杰夫·昆斯
Jeff Koons
▼
“在這個資本泛濫的社會里，藝術品不可避免地要成為商品……我們不要再兜圈子了，還是一上來就當藝術品是商品一樣生產吧。”——杰夫·昆斯
杰夫·昆斯1955年生于美國，是80年代中期升起的藝術之星，他以準確精致的日用品的復制品、可愛的卡通形象以及充滿想象力的大眾圖象組合不斷地給世人帶來一個又一個新的視覺沖擊，他是當代波普藝術的探索者。
邁克爾·杰克遜和寵物猩猩
昆斯成長于商品社會高速發展的美國，并有著雖然短暫卻一生難忘的從商經歷，作品充滿了滿足與自我陶醉。昆斯是一個反主流藝術的人物，其作品常常引起藝術界的強烈爭議，但卻同時成就了他的名聲。他有意打破了人們習慣了的美的標準，將最庸俗的大眾圖象以十分精致的手法表現出來，特別是他與夫人親昵的系列作品，因以色情、暴露之嫌自然地引起不小的爭議。他對創作回報明目張膽的追求更是讓人昆斯是一個反主流藝術的人物，其作品常常引起藝術界的強烈爭議，但卻同時成就了他的名聲。
如今，藝術商們爭先恐后地經營昆斯的藝術品，這使昆斯說服他們贊助自己新的“慶典”系列作品不費吹灰之力。“慶典”系列是一批比例夸張的玩具和兒童小玩意的雕塑和繪畫作品，當中那個高十英尺、一噸多重的不銹鋼“氣球狗”就很具代表性。“慶典”的創作始于昆斯與前妻、意大利前著名色情女星伊洛娜-施塔勒離婚之后。昆斯和施塔勒于1993年離婚。在人們傳統的意識里，藝術家是一班“視金錢如糞土”的家伙，但昆斯絕對是個例外。他從一開始就將藝術品當成商品去創作，能夠收獲回報才是最重要的。在越來越物質化的當今社會，昆斯已經被越來越多的人所接受了。
1986年雕塑系列作品
“庸俗”系列
后來昆斯做了“庸俗”系列。第一件雕塑作品是幾個小人正在推一頭豬，這頭豬是庸俗的象征。第二件作品叫《澡盆里的女子》，其靈感來自祖父的煙灰缸。他說，他覺得自己的個人文化背景是完美的，任何人自己的文化史都是完美的。藝術不該向任何人索取東西，規則是不存在的，任何人都可以參與，他并不認為藝術要給人帶來提升。木頭與瓷器制作的抱著“泡泡”猩猩的邁克爾·杰克遜雕塑象征精神上對人的接納。“庸俗”系列后昆斯創作了“天堂制造”系列，試圖去除人類對罪與恥的判定，推動人的自我接受。最后一件“天堂制造”系列的作品是由六千件植物組成的巨型小狗雕塑，有關控制與放棄控制的問題。在作品的展示過程中，有些植物表現強大的控制力，有些植物則匍匐生長。當這種控制與爭奪控制的情況達到一定程度時，事情發展方向就發生轉變，即讓自然進入其中，放棄控制。這種控制可以理解成愛或被愛、服侍或被服侍、逗弄或被逗弄。
關于杰夫·昆斯：
4.比爾·維奧拉
Bill Viola
▼
“水是一種純化的東西，它可以純化所有的東西，它把我們的靈魂沖干凈，它是所有的生命所依賴的東西。”——比爾·維奧拉
比爾·維奧拉（Bill Viola），1951年出生在美國紐約，1973年畢業于雪城大學（SyracuseUniversity）。作為視像藝術的先驅人物，四十年來，維奧拉的創作領域包含裝置、視頻電影、環境聲音、平板視頻作品，以及為音樂會、歌劇及宗教場所進行的創作。1995年，維奧拉曾代表美國參加了維也納雙年展。他曾獲得由日本藝術協會頒發的日本皇室世界文化獎（2011年）等獎項。
比爾·維奧拉是國際公認的視像裝置藝術先驅。從藝三十多年以來，他先后創作了150余件錄像、音像裝置、電子音樂表演以及電視和廣播藝術作品。在藝術家層出不窮的今天，比爾·維奧拉以他的博學和對當代高科技傳媒的熟練掌握在國際藝壇牢牢地站穩腳跟，并成為聞名世界的視像魔術大師。
《逆生》（2014年）
時長：8分22秒
影像以一個男人在黑暗中若隱若現開端，其全身浸透著黑色的液體。漸漸地，液體向上空升騰，開始時速度很慢，幾乎不易覺察。隨著水流逐漸加劇匯集，最終變成滾滾升騰的洪流。同時液體的顏色也經歷從棕到紅再到白，最終變成清水的過程。事實上，維奧拉在影像中所用的液體分別象征著從出生到死亡的生命輪回，土地、血液、牛奶、水和空氣。
殉難者“土、空氣、火、水”
《殉難者》
殉難者的原文“Martyrs”亦可譯為殉道者，意指為了信仰而受難和犧牲的人。作品中，四位殉難者分別默然承受著土、空氣、火、水所帶來的痛苦折磨。“土、空氣、火、水”四種元素源于古希臘哲學家亞力士多德所認為的組成世界的四種基本元素，如此一來，這四種基本元素帶來的苦難，似乎可以寓意著世間所有的苦難了。在四種情境之中，“火焰四散而下，狂風驟起，水流傾泄，塵土飛揚，這些元素象征著殉難者們從死亡到光明這段途中最黑暗的時光。”維奧拉說。在這樣的苦難中，殉難者并未表現出過分的掙扎和痛苦之感，反而在苦難之后，他們的臉上呈現出了極大的平靜和內在的力量。
關于比爾·維奧拉：
5.朱利安·施納貝爾
Julian Schnabel
▼
“我將是你在這一生中所看見的最接近畢加索的人。”——朱利安·施納貝爾
朱利安·施納貝爾，1951年出生于美國紐約，1973年畢業于波士頓大學美術學專業，之后申請到了紐約惠特尼博物館的獨立學習計劃。1979年，施納貝爾在紐約著名瑪麗·布恩畫廊舉辦了個人畫展，反應熱烈，極為成功。之后，他成了在世藝術家中，在倫敦泰特美術館舉辦展覽的最年輕的。那年是1983年，施納貝爾才32歲。
施納貝爾的藝術創作涉及到多個領域，均獲得巨大成功，被藝術界稱為攝影家、雕塑家和電影制作人的集合體，是“新表現主義”運動的重要代表人物、國際藝術界的中堅力量。
施納貝爾碎瓷器的“盤子”繪畫作品
盡管他更因為他的電影被大家熟知，但是施納貝爾強調他居于首位的職業是一個畫家。“繪畫對我來說就像呼吸一樣。這是我一直在做的事情。”他的繪畫創作使用了各種材料和媒介，顯現了獨特的藝術魅力。他的作品總是充滿了所指，既指日常經驗，也指他自己的個人視覺。從畫面上，這些所指可以是涂鴉，或是某種姿態，它們要么間接地回到古典，要么更具象，就像那些具象繪畫一樣。比如他近期的沖浪繪畫，它們具有共同的個人興趣和快樂。在顏料和肌理中總是充滿純粹的愉悅。
使用碎瓷片是施納貝爾在繪畫材料方面的一項突破，他除了用碎瓷器外，還使用細木塊和各種粘附在諸如天鵝絨、亞麻油氈、地毯或動物皮革等非傳統畫面上的其他媒介物品來構成作品。如此一來，畫幅底層的復雜，突出了物體的表現，顯現了獨特的藝術魅力。
施納貝爾，一直被公認為是美國新表現主義的領軍人物。新表現主義是上世紀70年代興起于德國的一場藝術運動，之后漫延到了全歐洲和美國，目的在于復興那些帶有具象的、有表現主義特征的繪畫。這是在那個“繪畫已死”的年代里，繪畫藝術的再生，施納貝爾是重要的貢獻者之一。曾有評論稱，“他（施納貝爾）幾乎單槍匹馬地把繪畫從70年代的委靡不振中拯救出來”。
施納貝爾之所以“被”新表現主義，并不是因為他的繪畫主題與德國新表現主義風格有一些相似之處，更多的是因為施納貝爾在20世紀80年代，使用了各種各樣的材料來創作自己的繪畫作品。這些材料包括了動物的皮毛、麻布、木片、汽車的零部件等，使得施納貝爾的作品更像是裝置藝術品，視覺沖擊力強烈。
作為畫家的施納貝爾，除了因為他在藝術上的創新，助他達到藝術巨星的地位，還因為他具有同波普藝術大師安迪·沃霍爾一樣高超的自我宣傳和推廣能力，這使他在商業上取得了巨大的成功。施納貝爾自己說過：“2006 年的拍賣中，我的作品就達到了82.2萬美元 此后我的作品一直飆升到200萬美元。”
雖然，“新表現主義”標簽貼在了施納貝爾的身上已經三十年而有些牢不可破了。不過，他自己依然不這么認為，他說自己的藝術創作，只在乎感情，無論是自己的、還是他人的感情。相信，這是他的肺腑之言。為什么這么說呢？你可以從他的電影看出來，他的每一部電影都是關于一個真實的、特別的人，對他們的人生進行“施納貝爾式”的藝術演繹，情感滿溢
6.羅伊·利希滕斯坦
Roy Lichtenstein
▼
“我試著利用一個俗濫的主題，再重新組織它的形式，使它變得不朽。這兩者的差別也許不大，但卻極其重要。”——羅伊·利希滕斯坦
羅伊·利希滕斯坦（Roy Lichtenstein）1923年他出生于紐約，在讀高中時，他就開始在家學習素描和油畫。1939年高中畢業后進入紐約藝術學生聯盟學習繪畫，1949年在俄亥俄州州立大學攻讀美術系碩士研究生學位。二次世界大戰期間在海軍服兵役，1951年回到母校擔任教師直至1957年。1960年他赴新澤西州立拉特格斯大學執教。被譽為“美國波普藝術家之父”。
他在年輕時學習風景畫，后來熱衷于美國抽象表現主義繪畫的創作研究。60年代初羅伊·利希滕斯坦以取材自美國漫畫及廣告的內容用于波普藝術的創作，這令他幾乎是一夜成名。70年代以印刷網點的“點式”畫風更多運用在其他題材創作中。隨后，羅伊·利希滕斯坦的藝術生涯平步青云，成為美國二十世紀藝壇影響最大的藝術家之一，創造了與當時抽象表現主義相對的寫實的波普藝術繪畫風格，其作品被廣泛收藏并得到大眾的喜愛和追捧。他用標志性色調和大圓點（Bendaydots）完美的傳遞了“美國人的生活哲學”。
系統地感知，就是藝術的一切——利希滕斯坦以平淡無奇的連環漫畫為基本題材，用丙烯顏料將它們復制放大，通過極為有限的平涂色塊和準確結實的黑色線描將它們忠實地描繪在畫布上，甚至連廉價彩色印刷工藝中的網點都被不厭其煩地復制了出來，這就是波普藝術大師利希滕斯坦最著名的藝術特色。
雖然利希滕斯坦在20世紀60年代走在波譜運動的前列，但他也通過顛覆藝術史傳統而成為了首列“后現代”（Post modern）藝術家之一。除卻眾所周知的漫畫以及通俗連環畫，羅伊·利希滕斯坦還研究了蒙德里安（Mondrian）、畢加索（Picasso）、馬蒂斯（Matisse）、萊熱（Léger）、莫奈（Monet），等現代大師的作品，并創作出越來越多的受歡迎的靜物、風景以及肖像畫。
70年代，他還創作了大量的靜物畫，再現了藝術中的靜物近乎抽象類型的繪畫，作品中的物品被看作一個起點，人們司空見慣的日用品在這兒有了難以捉摸的暗示和聯想。 由此看來，廣義上的波普藝術，包括后期的利希滕斯坦其意義不在于指他屬于一個流派，而在于為波普藝術提供了一個持續不變的觀念。波普藝術的貢獻不僅存在于狹窄的限制的題材，而且也包括藝術家臨時標記和變換參照物的觀念。這種見解是70年代發展起來的，重內容而反形式主義觀點的一部分。盡管70年代以后，許多藝術家逐漸脫離了波普風格，但是作為一種態度和方式，波普的內涵和精神繼續在美國和世界藝術中演變和延續。
關于利希滕斯坦：
7.布魯斯·瑙曼
Bruce Nauman
▼
“如果我是藝術家，我在工作室里工作，那么我在工作室里做的任何事都是藝術。在這點上，藝術更多的是一個活動而不是產品。”——布魯斯·瑙曼
布魯斯·瑙曼，1941年出生于美國印地安那州，他本來是學數學物理的后改學藝術，受極簡主義影響他的畫面幾乎是一片空白，之后他把興趣轉移到裝置，光效應，行為藝術上，又用影響手段把他們錄制下來。20實際80年代，他的興趣轉向了政治性的主題，最有名的當屬《愚鈍丑角的歡迎式》。
如今被譽為“十項全能”藝術家瑙曼在世藝術家中最德高望重的，從音樂、雕塑、錄像、裝置到行為藝術，他均有涉獵。盡管絕大多數單純的美國人無法理解和欣賞他的作品，卻并不妨礙他被評論家和收藏家捧上天，成為超級明星。瑙曼相對比較入世的作品當屬用霓虹燈制作的系列，那些五顏六色的燈管組成的標語，在黑暗中發出具有誘惑力的光線，這大概才是現代人所熟悉的溝通方式。
布魯斯·瑙曼，這位本世紀最具影響力、最富創造精神的藝術家，在當代藝術的舞臺上依舊保持其獨特鮮明的批判聲音。瑙曼用他的裝置、攝影、表演現成品以及錄像藝術不斷探討、檢驗著藝術與生活的關系。瑙曼用他的作品挑釁著現有藝術理念吸引著大眾的目光，帶來了藝術觀念轉變。
瑙曼致力于探索人生經歷的各種必然要素，通過他的藝術來表達他對生活問題的疑問和關注。他用他的裝置、攝影、表演現成品以及錄像藝術對生活、死亡、愛情、憎恨、快樂和悲傷等人類生活的基本要素進行了深刻的思考。
布魯斯·瑙曼后期完全不喜歡顏料和畫布。因受極簡主義影響，他的畫面就再也沒有東西可以充塞了。爾后他把興趣轉移到裝置、光效應、行為藝術上，又用影像手段把它們錄制下來。因為他下手很早，便成了當代藝術的先鋒。作為極其獨特的觀念藝術家，他的作品真是晦澀難懂，這并不能成為其作品在市場上流通的障礙。
1992年，第九屆卡塞爾文獻展的策展人嚴·霍特（Jan Hoet）曾經邀請過瑙曼并希望能效仿1977年卡塞爾推舉博伊斯那樣讓瑙曼成為當屆卡塞爾的中心人物。但這個邀請被瑙曼禮貌的回避了，他婉轉的讓作品《Antro Socio》代表自己，謙卑的退到作品后面。拒絕多余的修辭和闡釋，就像瑙曼本人在現實中沉默寡言的作風，在他的藝術里幾乎沒有高舉的宏大敘事或任何想方設法的教唆，瑙曼的藝術屬于個人的思考方式，最終安靜地滲透在藝術的每個角落。
Richard S Johnson，美國當代藝術家。出生于美國芝加哥的一個藝術家庭。他最早的美術記憶是美國兒童讀物畫家查爾斯Charles Dana Gibson，紐厄 NC Wyeth 和寫實畫家薩金特John Singer Sargent 的書畫。仍然在小學學習的時候，他已贏得了芝加哥藝術學院獎學金。后來就讀了美國藝術學院，畢業不久就開始了一個職業畫家的生涯，并成功地成為一個獲獎無數的優秀藝術家。
用絕對的漂亮來形容李察的畫是一點不過分，用李察自已的話來說:“當我畫畫的時候，我希望對觀眾的吸引力是超越畫面所看到的，是連貫和分享人們的體會，能一起點頭說 ---- 是的，這就是青春，象美麗的玫瑰，如清晨的陽光。”
Richard S Johnson的繪畫，用筆肯定，上色大膽，厚薄兼顧，形態優雅，如同詩一般表達了他所描繪的對象。他油畫技術精湛，作品是前拉斐爾的浪漫主義及當代表現主義、抽象概念的結合，形成自已獨特的、有深度的風格。
他的人物作品有著大膽而肯定的筆觸，和諧溫馨的色彩基調，人物被一種微妙氛圍籠罩著、渲染著，形成各中美麗無比的效果，營造了“詩一般優美柔美關系。
8、米切爾·約翰遜
米切爾·約翰遜的畫作被25個博物館和700多個私人收藏館永久收藏。約翰遜的色彩和形狀驅動的繪畫經常出現在《紐約時報》雜志上。在整個90年代，約翰遜在舊金山、紐約和洛杉磯的主要畫廊展出了法國、意大利和加利福尼亞的毛茸茸的表現主義風景畫。在2000年，他的作品開始發生變化；他的繪畫中的形狀變得更大，色彩的興趣更加明顯。2005年，約翰遜在博洛尼亞莫蘭迪博物館觀看了約瑟夫?阿爾伯斯和喬治?莫蘭迪的畫展后不久，他第一次到科德角作畫，而正在進行的一系列北特魯羅畫作中，博洛尼亞畫展的影響也立即清晰可見，這些畫作使約翰遜在美國舉世聞名。約翰遜把他的時間分為加利福尼亞工作室和科德角、亞洲和歐洲的繪畫之旅。他的作品曾出現在《華爾街日報》雜志《藝術論壇》和《美國藝術》上。約翰遜曾是羅馬美國學院和約瑟夫和安尼阿爾伯斯基金會的訪問藝術家。
美國當代藝術家Henry Asencio的作品用抽象的手法體現女性的氣質、靈性；不同于寫實主義著重表現的優雅的肉體。藝術家筆下抽象的潛意識思維與現實糾纏的畫面構成了一個個故事。Henry Asencio說:"我希望人們可以感同身受我在做的事，而不僅僅是在看。"
9、Matt Duffin
Matt Duffin，美國當代藝術家，出生于1968年，畢業于休斯頓大學建筑專業。
Matt Duffin 的很多作品為"蠟畫"，這是一種很奇特的繪畫方式。總的來說就是：蠟打底，刮亮面，用底色（黑）來充當暗部。但是這并不妨礙作者展示他精湛的功力和想象力，可能是因為技法的原因，作品中極少主義風格特別突顯。強烈的質感張力有如照片一般真實，還具備了繪畫該有的意義。
10、KAWS
首先需要介紹的就是這位來自美國新澤西州的街頭藝術家KAWS，本名 Brian Donnelly，從12歲開始就已經對涂鴉產生興趣，課本成為了他的畫紙，各種奇妙形象的怪獸都是他的創作內容。
KAWS被認為當代最具影響力的涂鴉藝術家之一。
在大學畢業之后曾在 Disney公司MTV電視臺干了一些雜七亂八的工作，之后得到朋友的幫助，將自己設計的骷髏元素注入紐約市巴士站及電話亭，將其改頭換面，由此開始嶄露頭角。
KAWS的設計風格天馬行空，將藝術本身加以改造使得重獲新生。KAWS喜歡將一切事物增添趣味意義。
逐漸地KAWS就開始在各地辦畫展，同時推出作品集，慢慢地Kaws從街頭走向正統藝術殿堂，和各大街頭和時尚品牌保持穩定和長期的合作，讓消費者也可以通過各種各樣的渠道感覺Kaws的創作魅力。
時間轉到2006年，在潮流圈兒占據些許名氣的 KAWS得到日本著名玩具生產商MEDICOM TOY，在東京的南青山開設了OriginalFake，算是KAWS在踏入潮流界的首個里程碑，也是迄今為止唯一的一家KAWS專賣店。OriginalFake依舊遵循KAWS的藝術創作風格，所有單品均來自KAWS著名作品并鑲嵌個人標識。
Original Fake與Medicom Toy聯名推出的塘膠玩偶
